디어 에반 핸슨은 전 세계 어디에서나 핵심 주제를 공감할 수 있는 뮤지컬 가운데 하나다. 소셜 미디어, 학교 폭력, 그리고 ‘받아들여지기 위해’ 하게 되는 눈덩이처럼 불어나는 거짓말의 복합성은 국경과 무관한 21세기의 과제이다.

한국 공연은 원작의 연출을 충실히 따랐다. 무대 곳곳에 겹겹이 배치된 여러 대의 모니터가 배경과 뉴스 피드, 그리고 소셜 미디어의 소음을 끊임없이 변화하는 캔버스처럼 만들어 냈다. 심지어 공연장 앞을 가리는 커튼도 빈 노트북 화면처럼 디자인되어, 기술과 불안, 그리고 연결을 향한 간절한 욕망이 이야기를 이끌 것임을 관객에게 미리 예고했다.

에반의 이야기는 단순하지만 매우 불편하다. 선의에서 시작된 그의 거짓말은 치유만큼이나 상처를 남기는 서사로 커진다. 그 불편함은 작품에 필수적이지만, 에반의 도덕성을 지키면서도 같은 이야기를 만들 수는 없었는지 의문을 남긴다. 한국 공연에서 박강현의 에반은 자폐 스펙트럼을 연상시키는 특성으로 표현되었다. 이 선택 덕분에 에반의 잘못된 판단은 단순한 이기심보다 사회적 상황을 읽고 대처하지 못한 결과처럼 느껴졌다. 작은 차이지만 관객이 그의 행동을 조금 더 이해하고 공감하게 만드는 중요한 해석이었다.

모든 인간이 그렇듯 극 속 인물들에게도 결점이 있다. 하이디는 아들을 전문가에게 맡긴 채 그의 내면을 직접 들여다보려 하지 않았고, 머피 부부는 자녀들의 마음보다 외부에 비치는 가족의 모습에 더 관심을 기울였다. 제러드는 나쁜 사람은 아니지만 에반을 계산적으로 대했고, 알라나는 혼자 판단하고 행동하며 지나치게 앞서 나갔다.

그중 조이 머피는 자신의 감정에 가장 정직한 인물이다. 학교에서는 여왕벌처럼 행동하지만, 적어도 자신이 느끼는 감정을 숨기거나 다른 말로 꾸미지는 않는다. 코너가 죽은 뒤 부르는 “Requiem”의 ‘I will sing no requiem’은 단순히 그를 추모하지 않겠다는 선언이 아니다. 실제와 다르게 미화된 코너를 애도하지 않겠다는 말이며, 오빠를 잃은 조이의 복잡한 감정을 날것으로 보여준다. 조이는 에반이 자신을 코너의 동생이 아닌 한 사람으로 바라보았을 때 마음을 열었고, 그가 거짓말을 고백하자 떠났다.

시간이 지나면서 이 작품을 다시 보기 어려워지는 이유는 소셜 미디어나 무대 연출이 낡아서가 아니라, 중심 서사를 움직이는 동력이 끝까지 거짓말이라는 데 있다는 생각이 들었다. "Waving Through a Window"가 보여주는 고립, 부모와 자녀가 서로의 고통을 알아보지 못하는 문제, 소셜 미디어가 외로운 사람들을 연결하면서 동시에 거짓을 증폭시키는 구조는 여전히 강하다. 그러나 코너 프로젝트의 선한 영향과 머피 가족의 회복, 조이와의 관계, 에반의 소속감, 심지어 "You Will Be Found"의 보편적인 위로까지 모두 에반이 만든 거짓된 우정에서 출발한다. 관객은 감동할수록 그 감동의 토대가 무엇인지 더 불편하게 의식하게 된다.

특히 "You Will Be Found"는 누구도 혼자 버려져서는 안 된다는 작품의 가장 중요한 메시지이지만, 거짓 위에 세워져 있다. 에반은 머피 가족에게 진실을 고백하지만 세상은 여전히 그가 코너의 친구였다고 믿는다. 이미 세상의 관심은 사라졌을지도 모르지만, 온라인에 남은 흔적은 언제 다시 터질지 모르는 폭탄과 같다. 에반의 메시지가 아름다울수록 그 말을 만들어낸 거짓과 위선도 크게 보인다.

에반에게 필요했던 것은 가혹한 처벌이라기보다 공개적인 책임과 회복의 과정이었을 것이다. 그는 법적인 범죄자로 단정하기 어려운 청소년이고, 심한 사회불안과 절망 속에서 스스로 목숨을 끊으려 했던 사람이기도 하다. 진실이 알려진 뒤 고통스러운 시간을 보내야 했겠지만, 치료를 계속하고 거짓말이나 사이버 폭력으로 상처받은 청소년을 돕는 활동을 통해 현실의 관계를 다시 배워가는 모습을 보여주었다면 그의 성장과 용서가 훨씬 설득력 있었을 것 같다. 다소 교훈적으로 보이더라도 이 작품에는 그런 과정이 필요했다.

그러나 머피 가족이 진실을 공개하지 않은 선택은 단순히 에반을 용서하거나 보호한 일로만 보이지 않는다. 코너가 왜 죽었는지는 하나의 원인으로 설명할 수 없다. 정신적 고통과 약물, 학교에서의 고립, 친구의 부재, 가족과의 갈등이 모두 영향을 주었을 수 있다. 다만 극 초반의 래리와 신시아는 코너의 고통을 이해하지 못했던 부모로 그려지며, 두 사람 역시 아들을 지키지 못했다는 죄책감에서 자유로울 수 없다.

특히 래리가 에반에게 야구 글러브를 길들이는 방법을 가르치는 장면은 그래서 더욱 아프다. 그는 좋은 물건을 만들려면 시간을 들이고 매일 조금씩 반복하며 쉽게 포기하지 않아야 한다고 말한다. 에반과 함께 시간을 보내면서 래리는 자신이 어떤 아버지가 될 수도 있었는지를 비로소 경험한다.

에반의 편지는 실제로 코너가 쓴 것이 아니지만, 머피 가족에게는 코너가 끝내 하지 못한 말처럼 들렸을 수 있다. 아무도 자신을 보지 않고, 사라져도 알아차리지 못할 것 같다는 절망은 코너에게도 있었을 것이다. 에반은 코너의 목소리를 빌렸지만, 그 과정에서 가족이 미처 듣지 못했던 말까지 드러냈다.

진실을 공개한다고 해서 머피 가족이 편해지는 것도 아니다. 편지가 가짜라고 밝혀지면 사람들은 다시 코너가 왜 죽었는지 묻고, 그의 약물 문제와 학교생활, 가족관계와 부모의 양육 방식까지 파헤쳤을 것이다. 아무도 정확한 이유를 알 수 없기 때문에 추측은 오히려 더 오래 이어질 수 있다.

에반의 편지는 코너를 ‘아무도 발견하지 못한 외로운 소년’으로 보이게 만들었다. 실제 코너는 훨씬 복잡하고 때로는 폭력적이며, 가족과 학교에 더 끔찍한 말을 남겼을 수도 있다. 그러나 에반의 이야기 속 코너는 사람들이 이해하고 추모하기 쉬운 인물로 바뀐다. 코너 프로젝트와 "You Will Be Found"도 이 이미지에서 출발한다.

머피 가족이 이런 계산을 했거나 다른 이유로 침묵을 선택하고 고통을 감내했을지는 알 수 없다. 그러나 에반에게는 진실을 모르는 세상을 향해 아직 갚지 않은 빚이 남아 있다. 그는 머피 가족과 조이를 잃었지만, 세상에는 여전히 힘든 친구와 그 가족을 도운 사람으로 기억된다. 그래서 "You Will Be Found"의 감동은 불편하다. 메시지는 아름답지만, 에반에게는 그 메시지를 전할 자격이 없다.

진실을 밝히지 않은 결말은 에반을 쉽게 용서한 것이 아니라, 자신의 거짓말과 머피 가족의 침묵을 평생 짊어지고 살게 한 선택으로도 볼 수 있다. 그러나 작가가 이런 모호한 결말을 의도한 것인지, 문제를 간과했거나 회피한 것인지는 확실하지 않다.

박강현의 에반은 그의 커리어에서 가장 뛰어난 연기였다고 확신한다. 이전 작품들에서는 가끔 미세한 음정 흔들림이 느껴지기도 했는데, 이번엔 완벽했다. 음정은 정확했고, 감정은 깊었으며, 확실히 캐릭터에 몰입했다. 맑고 단단한 성량이 극장을 가득 채웠고, 두성과 흉성의 전환도 탁월했다. 특히 울먹이며 노래하면서도 음정과 발성을 잃지 않는 능력—때로는 실제로 눈물을 흘리면서도—은 인상적이었다.

비대칭으로 살짝 내려간 어깨, 불안한 자세, 미세한 손짓 같은 신체 연기는 무대에서 ‘박강현’이라는 배우를 지웠다. 남은 것은 오직 에반 핸슨이었다. 막공에 가까워질수록 이 변화는 완성되었다. 점점 연기를 보는 것이 아니라, 에반을 보았다.

“Waving Through a Window”는 잔잔히 시작해 리프라이즈에서 폭발했고, 공연장 끝까지 시원하게 뻗었다. “For Forever”는 그가 미라클라스와 유튜브 라이브에서 영어로 불렀던 기억이 떠올랐다. 영어 가사의 운율이 주는 고유한 음악성이 있는데, 그는 그것을 훌륭히 살렸다. 복잡한 현대적 주제를 담은 만큼 한국어 번역 가사는 놀라울 정도로 잘 어울렸다. 다만 “for forever” 같은 반복적 구절은 번역에서 온전히 유지되기 어려웠다. 그의 영어 버전과 한국어 버전을 비교할 때 그 차이가 특히 분명했다. 하지만 공연을 보는 동안에는 가사가 라임을 이루는지조차 잊을 만큼, 그의 노래 자체가 모든 것을 압도했다.

“If I Could Tell Her”에서는 호흡과 발성의 색깔이 숨 막히게 변화했고, 음정과 딕션은 정교했다. 이 넘버에서 그는 완전히 캐릭터 속으로 들어갔다. “Words Fail”은 그날 공연의 정점이었다. 살짝 거친 두성과 절제—울음을 삼키되 감정은 목소리로 터뜨리는—가 관객 전체를 흔들었다. 다음 장면이 넘어간 후에도 나는 그 노래에 마음이 붙잡혀 있었다.

마지막 장면에 갑자기 등장한 사과나무는 뛰어난 상징이었다. 힘겨운 진실의 뒤에 남는 희망과 성장을 시각적으로 보여 주었다.

조연들은 진정성 있고 입체적이었다. 코너 머피, 재러드 클라인먼, 알라나 벡은 몸짓과 감정의 폭에서 정말로 고등학생처럼 설득력 있었다. 캐스팅에서 한 가지 아쉬움은 조이 머피였다. 두 배우 모두 음정 정확도가 흔들렸고, 캐릭터에 맞출 의도였을지 모르나 다소 어두운 보컬 컬러를 선호해 내겐 완전히 와닿지 않았다.

어머니 역의 캐스팅은 훌륭했다. 두 배우 모두 자녀의 고통을 지켜보는 부모의 지침과 무력감을 설득력 있게 그렸다. 표현 방식은 달랐지만, 하이디 핸슨이 혼자서 일과 공부, 양육을 동시에 힘겹게 해내고 있다는 사실은 분명했다. 그녀는 에반을 치료사에게 보냈고 “Dear Evan Hansen”으로 시작하는 편지를 쓰도록 격려했으며, 그것이 의도치 않게 모든 사건의 도화선이 되었다. 과중한 현실 속 많은 부모가 그러하듯, 그녀 역시 전문가의 조언 뒤에 숨으며 문제의 핵심을 회피했다.

그러나 “So Big/So Small”은 모자가 처음으로 제대로 연결되고, 인정과 용서, 수용이 이루어지는 계기가 되었다. 또한 아버지의 부재로 결여된 것 가정이라고 생각했던 에반과 어머니가, 가족을 완전하게 만드는 것은 전통적 역할이 아니라 사랑과 이해임을 받아들이는 전환점이 되었다. 공연마다 다른 배우가 연기했는데, 이 역할은 비슷한 상황의 부모가 서로 다른 모양새를 보여주지만 결국 ‘부모가 된다는 것’의 의미를 일관되게 보여 주었다.

래리 머피는 노래는 다소 약했지만 연기는 조용한 권위를 지녔다. 듀얼 캐스팅 두 배우 모두 역할에 온기를 불어넣어, 다른 삶이었다면 코너를 절망과 외로움에서 구했을지도 모를 아버지 상을 그려냈다.

브로드웨이나 한국 라이센스 프로덕션에서도 변함없이 남는 과제는, 에반의 이야기 중심에 놓인 도덕적 불편함이다. 그의 거짓말은 치유와 상처를 동시에 가져왔고, 관객은 그에게 공감하면서도 그를 옹호하기 힘들어진다. 이 모순이 작품의 힘이기도 하지만, 특히 젊은 관객을 위해 공감할 수 있도록 극을 각색할 여지가 있지 않을까 생각한다. 만약 대본이 미세하게 진화해서 에반의 거짓말에 대한 불편함을 없앨 수 있다면, 디어 에반 핸슨은 동시대의 성공을 넘어 뮤지컬 역사 속 ‘시대를 초월한 고전’이 될 잠재력이 있다.

디어 에반 핸슨은 내가 본 박강현의 역할 가운데 가장 높은 난도의 보컬·감정 연기를 요구했지만, 그는 기대를 넘어섰다. 그는 단지 연기한 것이 아니라, 에반 핸슨이 되었다. 이 극은 박강현 커리어의 하이라이트일 뿐 아니라, 뮤지컬이 왜 중요한지—갈등의 근원을 극화해서 보여주고, 공감과 연민으로 눈물을 자극하며, 불완전한 사람도 사람들과 함께 살아갈 수 있고 용납될 수 있다고 믿게 하는—그 이유를 다시 상기시켜 주었다.