2025년 7월, 워싱턴 D.C.의 케네디센터 오페라하우스에서 열린 레미제라블 북미 투어를 관람했다. 처음 두 번은 무대 오른쪽과 왼쪽 끝의 시야 제한석에 앉았고, 마지막 공연에서는 5열 중앙에서 관람했다.

오페라하우스답게 오케스트라 피트는 크고 넓었다. 관람석에서 보기에 많은 금관 파트가 키보드로 연주되고 있었는데, 이는 웨스트엔드 투어 버전에서 흔히 사용되는 “뉴 오케스트레이션”의 표준 방식으로, 한국 라이선스 공연에서도 동일하게 적용되었다. 그러나 전방 우측에서 관람했을 때는 무대 아래에서 실제 금관 악기 소리가 뚜렷이 들려왔다. 최소 다섯 대 이상의 실제 악기가 연주되고 있었다.

케네디센터는 인상적인 공연장이다. 프로시니엄 양쪽에는 붉은 천으로 덮인 아치형 스피커가, 나무 패널 기둥 뒤에는 추가 스피커가 숨겨져 있었다. 작은 스피커마저 삼베로 덮여 있어 세심한 배려가 느껴졌다.

프롤로그가 시작되자 무대와 객석의 거리가 확연히 느껴졌다. 피트의 일부는 위쪽이 무대화되어 있었지만 공연 공간으로는 사용되지 않았고, 폭이 약 18미터에 달하는 넓은 프로시니엄 속으로 발코니나 2층 세트와 같은 상부 무대가 들어가 무대 전체가 관객석에서 멀리 배치되어 있었다. 그 결과 몰입감이 감소했다.

“Look Down” 합창곡에서 음량이 크지 않아 다소 놀랐지만, 각 배우의 목소리가 또렷하고 명확하게 전달되었다. 특히 자베르 역 배우는 마이클 볼을 연상시키는 목소리로 뛰어난 발성과 전달력을 보여 인상 깊었다.

시야 제한석이었기에 무대의 많은 부분을 놓쳤지만, 전체적인 감상에는 큰 지장이 없었다. 과거에 여러 콘서트 버전과 브로드웨이, 그리고 한국 라이선스 공연을 여러 차례 본 덕분에 이미 작품에는 익숙했다.

판틴 역은 두 명 모두 뛰어났다. 처음 두 번의 공연에서는 언더스터디 배우가 거의 알토에 가까운 깊은 메조 소프라노로 품위 있게 노래했으며, 그녀의 “I Dreamed a Dream”은 지금까지 들은 것 중 최고였다. 마지막 날에는 주연 배우가 더욱 공명감 있는 드라마틱한 톤으로 착취와 절망의 고통을 생생하게 표현했다.

장발장은 공연의 중심이었다. 그의 두성은 아름다웠고 저음은 안정감과 힘으로 객석을 가득 채웠다. 테나르디에는 광대가 아닌 생존자로 그려졌다. 그는 자신의 행동이 정당하다고 믿는 인물로 표현되었고, 마담 테나르디에는 지나치게 과장되지 않고 단단했다. 자연스러운 연기와 강한 보컬 덕분에 두 캐릭터 모두 새롭게 다가왔다.

가브로슈는 두 명의 아역 배우가 번갈아 연기했다. 한 명은 아주 어려 보이며 약간 아기 발음이 섞여 있었고, 다른 한 명은 당차게 연기해 예상보다 큰 인기를 끌었다. 둘 다 각자의 방식으로 효과적이었다. 코제트 아역은 전형적인 코제트 음색을 지녔고, 성인 코제트 역시 같은 톤 — 맑은 중음, 넓은 비브라토, 약간의 비음 — 을 이어받았다. 이는 한국의 더블 캐스트와 유사한 느낌이었으며, 성인 코제트 배역은 유사한 목소리를 캐스팅한다는 인상을 받았다.

학생 앙상블은 목소리가 강하고 서로 잘 어우러졌다. 특히 그랑테르는 술 취한 연기와 가브로슈와의 연기 호흡으로 눈에 띄었다. 바리케이드 장면에서 붉은 깃발을 흔든 배우는 리듬에 완벽하게 맞췄는데, 아마도 깃발이 다소 작고 다루기 쉬웠기 때문일 것이다. 이렇게 박자를 정확히 맞추는 장면은 처음이었다.

이 프로덕션에서 가장 인상 깊었던 부분은 ABC 카페와 바리케이드 장면이었다. 앙졸라는 단단한 바리톤으로 고음을 흔들림 없이 소화했는데, 흉성으로 자신 있게 부르는 앙졸라는 처음이었다. 소리가 너무 좋아 심장이 두근거릴 만큼 강렬했다. 둘째 날에는 더 가벼운 두성에 가까운 톤의 다른 배우가 같은 역할을 맡았지만, 그의 목소리 역시 강력했고 발성도 뛰어났다. 두 배우 모두 풍부한 중·저음을 갖추고 있었으며, 훌륭한 캐스팅이었다.

마리우스는 키가 크고 잘생겼으며 전형적인 “마리우스 보이스” — 깔끔하고 세련된 젊은 남성의 서정적인 음색 — 를 지녔다. 그가 등장하자마자 장발장의 허리가 걱정되었다. 마리우스는 가벼운 체구가 아니었고, 장발장은 공연 후반 파리 하수구를 지나며 그를 들어야 한다! 다행히 장발장 배우는 이를 무리 없이 해냈다.

특히 기대했던 장면은 “Confrontation”이었다. 첫날에는 자베르의 목소리만, 둘째 날에는 장발장의 목소리만 주로 들렸다. 마지막 날에는 음향이 제대로 전달되지 않았고, 자베르가 휘두르는 체인의 효과음이 보컬을 압도했다. 아마도 오페라하우스라서 스피커를 통한 음향 밸런스가 최적화되지 않았을지도 모른다. 브로드웨이에서는 음향 밸런스가 늘 완벽하기에 이곳의 불균형은 다소 아쉬웠다. 이 대비는 공연뿐 아니라 공연장의 음향도 감상에 큰 영향을 미친다는 것을 새삼 느끼게 했다.

가장 인상적인 순간은 자베르의 “Soliloquy”였다. 이 프로덕션에서 자베르는 장발장과 함께 눈에 띄게 늙어갔다. 한국 공연에서는 장발장만 시간이 흐르는 모습을 보였는데, 이곳에서는 자베르 역시 육체적, 감정적으로 변화했다. 그의 독백은 깊은 내적 갈등을 드러냈다. 단순한 자살이 아니라, 엄격한 도덕 규범 속에서 살아온 한 인간의 치명적인 위기였다. 장발장이 자베르를 살려준 날이, 그의 세계가 무너진 날이었다.

그가 뛰어내리기 전, 낮은 Hum 올라가는 소리와 함께 리버브가 상승하며 초현실적인 분위기를 더했다. 두려움, 후회, 혼란, 무력감으로 가득 찬 자베르의 마지막 소절은 명료하고 안정적이면서도 감정이 뒤섞인 채 울려 퍼졌다. 더 이상 살아갈 수 없고 단지 추락할 수밖에 없는 한 인간을 목격하게 되었다. 지금까지 본 자베르 최후 중 가장 솔직하고 감정적으로 정직한 장면이었다.

에포닌은 극적인 목소리와 표현적인 기교를 지녔지만, 리버브 탓에 가사 전달이 명확하지 않을 때가 있었다. 그러나 마지막 장면에서 부드럽고 맑게 부른 소절은 선명하게 전달되어 깊은 울림을 남겼다.

이 북미 투어를 관람한 것은 큰 행운이었다. 첫날 밤, 나는 여러 도시를 따라다니며 투어를 관람하는 한 커플 옆에 앉았다. 그들은 이미 다섯 도시, 아홉 번의 공연을 봤고 여러 비하인드 스토리를 들려주었다.

무대 연출은 한국 라이선스 버전과 대부분 같았으나 몇 가지 차이가 있었다. 이번 버전에서는 다리가 위에서 내려왔지만, 한국에서는 옆에서 등장했다. 또 한 가지 차이: 여기서는 장발장이 테나르디에 여관 입구에 가방을 두었지만, 한국에서는 테나르디에가 이를 훔치려는 소품으로 사용되었다. “Empty Chairs at Empty Tables”는 동일하게 연출되었으나, 이번에는 마리우스가 촛불을 코제트에게 건넸고, 한국에서는 벤치 옆에 두었다. 이런 미묘한 차이 외에는 전반적인 프로덕션과 동선이 같았다.

20~30년 만에, 그것도 영어로 이 공연을 다시 보는 것은 큰 만족이었다. 많은 배우들이 미국식 발음을 사용했지만, 자베르는 가끔 영국식 발음이 섞였다. 물론 모두 프랑스 인물을 연기하고 있었다.

밖은 무더위였고 극장 안은 냉방이 강해서 레미제라블 집업 후드를 기념품으로 구입할 핑계가 되었다. 집으로 돌아가는 길에 그 옷을 입으며, 이 공연이 여러 의미로 나를 따뜻하게 해주었다는 것을 깨달았다.

작년에 한국 라이선스 공연을 본 직후였기에, 이번에는 원어와 원 연출로 작품을 다시 보는 것이 특히 뜻깊었다. 이번에는 서사나 연출보다 보컬과 연기 뉘앙스에 집중했다. 수십 년이 지나도 결국 나를 가장 움직이는 것은 인간의 목소리라는 사실을 새삼 확인했다.